Dimanche 5 février 2012 à 17h

Piano: Didier Puntos

Baryton: Philippe Cantor

 A propos du Winterreise

« Fremd bin ich eingezogen, Fremd zieh ich wieder aus » « En étranger je suis venu, en
étranger je repars. » Tels sont les mots sur lesquels s’ouvre le cycle du Voyage d’hiver.
« Wunderlicher Alter, soll ich mit dir gehn ? » « Etrange vieillard, dois-je partir avec toi? » en
est l’interrogation finale. Entre les deux, il n’est question que de marche, que d’errance.

Comme l’analyse très justement Arnold Feil dans son étude du Winterreise, le texte du cycle  de Wilhelm MÜLLER ne décrit aucune action, et SCHUBERT en tient compte. Dans ces  Lieder, il circonscrit musicalement une sorte d’état ; et le principal moyen qu’il utilise consiste à conduire le mouvement musical, non pas de l’avant, mais pour ainsi dire en rond, conformément au texte. Malgré le « mouvement de marche » du premier Lied, rien n’y prend le départ. A sa manière, chaque Lied semble sans issue, condamné à tourner en rond. De nombreux éléments contribuent à cet effet, mais il en est un qui joue un rôle prépondérant : les postludes répètent les préludes, comme s’il ne s’était rien passé, comme si la composition, et par conséquent le voyageur lui-même, n’avaient pas bougé d’un pouce (16 Lieder sur les 24 se terminent comme ils ont commencé) et les autres souvent s’achèvent sans conclure : CE VOYAGE N’A PAS DE BUT ! La seule volonté du voyageur est de fuir, tenter d’oublier par la fuite un passé synonyme d’amour impossible, raté, trahi peut-être ; fuir désespérément l’image même d’un bonheur qui n’est plus ; tentatives vaines malgré sa volonté de trouver remède dans l’épuisement physique, mental, à la lisière de la folie, la pensée suicidaire. Tous les chemins sont exploités. « Eine Strasse muss ich gehen, die noch keiner ging zurück » « Il me faut emprunter une route dont nul n’est jamais revenu ». La fuite est inexorable, sans repos « und ich wandre sonder Massen, ohne Ruh » « et je marche sans trêve, sans me reposer » mais sans succès, jusqu’à la terrible prise de conscience de l’impossible guérison, (la volonté même de non-guérison ?) où le temps lui-même n’y change rien ! Der Leiermann, ultime Lied du Voyage d’hiver est l’incarnation d’une action intemporelle, détachée de l’Homme et de la nature humaine. Les éléments même de la composition musicale restent ici comme intemporellement informes. Telle une pièce de musique populaire, venue du fond des âges, le Lied repose sur un mouvement de ritournelle sans fin possible, presque mécanique, indépendant de l’homme et donc sans émotion. Le chant et l’accompagnement deviennent deux réalités différentes, également tangibles sur le
plan spatial. Les discours rythmiques se séparent ; la tonalité même comme fondement de
composition est ignorée : la désincarnation du voyageur atteint son paroxysme !

Cette volonté de dépouillement mélodique et pianistique, sans effet et incisif, est nouvelle
pour SCHUBERT. Elle est propre au traitement des poèmes de Voyage d’hiver. Pour la
plupart des Lieder, les plus sombres et réalistes, ceux qui correspondent à la fuite, il
abandonne volontairement son écriture pianistique habituellement chaleureuse et aérée. Il
est étonnant de constater qu’il revient à sa « pâte schubertienne habituelle » que lorsque le
poème évoque le souvenir du bonheur passé : Der Lindenbaum, Frühlingstraum ….
SCHUBERT était conscient de la noirceur de son propos : « … je vous chanterai un cycle de Lieder qui donnent le frisson. Ils m’ont plus affecté qu’aucun autre cycle auparavant ».

Le choix de notre interprétation reposera sur cette rigueur d’écriture et la confrontation des
différents styles Schubertiens. Il faudra éviter tout effet inutile – même si la tradition en a
véhiculé certains. Reprendre le texte musical au plus près. Ne pas chercher
systématiquement à exercer une émotion inappropriée par une variation forcée des couleurs et une exagération des tempi, dans un sens ou dans un autre, par crainte de monotonie. Respecter l’atmosphère fondamentale du texte poétique que SCHUBERT rattache un mouvement fondamental, afin d’amener l’auditeur dans une autre perception du temps – propre à la fonction même d’un cycle. L’émotion doit naître de la progression à l’intérieur de l’œuvre : ce mouvement de marche qui ne se concrétise jamais. Cette descente inéluctable dans la profondeur du désespoir jusqu’à l’absence même d’émotion. La voix dans sa plus simple et naturelle expression. Un piano rythmiquement moteur, sans pratique excessive de rubato ou ralentis, et surtout un travail sur les enchaînements et les moments de silence qui deviendront capital à la progression dramatique de ce voyage.

Philippe Cantor